Programa Nº 22 (26-12-09)

Os dejamos nuestro último programa, emitido el sábado 26 de diciembre en Radio Villamayor (100.0 FM).
En los próximos días, incluiremos información sobre los contenidos de los dos últimos programas.
Para bajarte y escuchar el programa nº 22, pincha en el siguiente enlace:
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Programa Nº 21 (22-12-09)

Nuestro último programa ya está disponible en formato MP3. Sólo tienes que pinchar en el enlace que aparece al final de esta entrada.
Disonancias se emite en Radio Villamayor, en los horarios que puedes ver al margen. En este programa presentamos la caja recopilatoria "Where the action is! Los Angeles Nuggets", compuesta por 4 CDs dedicados a la música practicada en la ciudad de Los Angeles entre los años 1965-1968. Éste es nuestro disco de la semana.
Y en la segunda parte del programa repasamos la carrera discográfica de Spirit, una de las mejores bandas californianas de finales de los 60.
Aquí tienes el enlace: http://rapidshare.com/files/324499550/Disonancias_-_Programa_21.mp3

Grandes sellos discográficos: Rough Trade

En nuestro apartado dedicado a grandes sellos discográficos, hoy vamos a ocuparnos de la primera referencia de Rough Trade, un sello fundamental para el desarrollo de la música rock independiente en Gran Bretaña, creado a partir de la tienda de discos abierta por Geoff Travis en el oeste de Londres en febrero de 1976, en medio de la vorágine del nacimiento del punk y de la cultura del “do it yourself” o hazlo tú mismo. De este modo, no es de extrañar que en 1978, la tienda fundara su propio sello discográfico con la publicación de un single del grupo punk francés Metal Urbain. La canción principal de este single se titulaba “Paris Maquis”.

Los Temerarios: "La Catedral de Winchester" (Son Art, 1966)

Los Temerarios eran otro grupo latino de los años 60, en este caso procedentes de Tabasco, en México, que practicaban un estilo musical más cercano al beat y al ritmanblús. Grabaron tres álbumes, el primero en el sello Regis en 1965, titulado “Rock, rock, rock”, un segundo disco titulado “La catedral de Winchester” en 1966 para el sello Son Art, y por último una recopilación de sus mejores temas, que ahora ha sido reeditada por el sello Munster a través de Electro Harmonix.

The Knacks

El sello Munster, que cumple su vigésimoquinto aniversario, ha publicado, en vinilo de 10 pulgadas, una recopilación de singles del grupo argentino de los años 60 The Knacks, una banda influenciada por la psicodelia británica y el freakbeat.

Najma Akhtar & Gary Lucas: "Rishte" (World Village, 2009)

Gary Lucas, el que fuera guitarrista de la Magic Band del Capitán Beefheart y acompañara al tristemente desaparecido Jeff Buckley, ha grabado su último disco, titulado “Rishte”, junto a la vocalista india Najma Akhtar.

Slaid Cleaves: "Everything you love will be taken away"

Slaid Cleaves no es un recién llegado al panorama musical, y el reconocimiento del que ha empezado a disfrutar en los últimos años se lo ha ido ganando a pulso con su trabajo y una perseverancia digna de elogio, desde el anonimato y la grabación en un principio de cintas caseras auto-editadas. En 1997 publicó su primer disco a escala nacional, “No angel knows” y alcanzó su primer éxito en el año 2000 con el álbum “Broken down”.En 2006 grabó “Unsung”, un disco de versiones de otros amigos cantautores, que como él no han perdido la esperanza en su música a pesar de su escasa fama, y ahora nos entrega su último álbum.

Holly Williams: "Here with me" (Mercury, 2009)

Los Mejores Discos de la Historia del Rock

THE BEACH BOYS: "PET SOUNDS" (CAPITOL, 1966)

En el momento de la grabación de “Pet Sounds”, Brian Wilson había dejado de participar en las giras de los Beach Boys para concentrarse en la composición y producción de nuevos temas, y sobre todo en el desarrollo de complicados y originales arreglos para la grabación de esas nuevas composiciones. Brian Wilson tenía claro, después de escuchar el álbum “Revolver” de The Beatles, que los Beach Boys tenían que crecer musicalmente y como grupo para poder competir con los nuevos discos procedentes del Reino Unido y dejar de ser esa banda de surf vocal para adolescentes que había sido su marca de fábrica hasta entonces. Su visión musical era muy ambiciosa, enfocando sus nuevas canciones como si fueran mini-sinfonías y él fuera el director de orquesta. Con estas premisas, elevaría la música pop a la categoría de arte adulto, sin abandonar la temática juvenil.
Los propios The Beatles escucharían “Pet Sounds” con asombro, siendo una de las razones fundamentales para que se embarcaran en el proyecto de grabar “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Los álbumes de pop dejaban de ser una colección de canciones sueltas de 3 minutos para convertirse en una unidad conceptual y musical donde la totalidad era mucho más que la suma de sus partes. Los singles dejarían de ser lo más importante, dando paso a la grabación de álbumes como una obra completa en sí misma, donde las canciones estaban al servicio del todo.

Pero el cambio de dirección de los Beach Boys no dejó satisfechos a todos los miembros del grupo, que veían cómo Brian Wilson adquiría todo el protagonismo en el proceso de composición y grabación, convirtiéndose el resto en meros acompañantes al servicio de sus ideas. Al que menos le gustó la nueva situación fue a Mike Love, que se enfrentó abiertamente a Brian Wilson, despreciando los nuevos temas y oponiéndose a la nueva orientación musical, que se alejaba demasiado de la música surf y de la identidad de los Beach Boys hasta el momento, temiendo que sus seguidores les dieran la espalda y fuera un fracaso comercial. Pero lo que sobre todo molestaba a Mike Love, además de que pasaba a ocupar un segundo plano en la banda, era la temática de las canciones y las letras, que consideraba egocéntricas e incluso deprimentes.

Programa Nº 20 (12/12/09)

Nuestro último programa, emitido el sábado 12 de Diciembre en Radio Villamayor, 100.0 FM.
Novedades discográficas y una nueva entrega de los mejores discos de la historia del rock: "Pet Sounds", de The Beach Boys. En los próximos días, incluiremos información adicional sobre todos los contenidos de este programa.
Para descargártelo en MP3, pincha en el siguiente enlace:
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Assemble Head in Sunburst Sound: "When Sweet Sleep Returned" (Tee Pee, 2009)

Assemble Head in Sunburst Sound son un grupo procedente de San Francisco, cuyo sonido se puede englobar en lo que ha venido a llamarse neo-psicodelia o ambient-rock. Su tercer y último álbum, “When sweet sleep returned”, ha sido producido por Tim Green y editado por el sello Tee Pee.

Para la grabación de este disco, Assemble Head in Sunburst Sound han aumentado su formación con la multi-instrumentista Camilla Saufley y el teclista Anderson Lanbridge, que se han añadido al trío original compuesto por Michael Lardas, Jefferson Marshall y Charlie Saufley. Además han contado con la colaboración de Brett Constantino e Evan Reese, del grupo Sleepy Sun, en las armonías vocales del tema: “Two birds”.

Lissy Trullie: "Self-taught Learner EP" (American Myth, 2009)

“Self-taught Learner” es el EP debut de Lissy Trullie, cuarteto comandado por la ex_modelo Elizabeth McChesney, que canta y toca la guitarra, acompañada de Eben D’Amico a la guitarra solista, Ian Fenger al bajo y Josh Elrod a la batería. Seis canciones que sirven de presentación para esta chica y su banda, que recogen la herencia de la new wave y del rock más callejero y excitante practicado en la ciudad de los rascacielos. Un cruce entre Blondie y The Yeah Yeah Yeahs, con Chrissie Hynde al frente.

Mariachi El Bronx (Swami, 2009)

El grupo de punk-rock neoyorkino The Bronx se ha reinventado a sí mismo en una nueva encarnación musical que se hace llamar Mariachi El Bronx, que ya con su nombre nos viene a indicar a las claras cuál es el resultado de su nueva y arriesgada apuesta: música mariachi con actitud punk y letras combativas. El tiempo nos dirá si se trata simplemente de una majarada sin continuidad o si son capaces de crear una nueva moda dentro de la escena punk norteamericana. De momento, se les ve plenamente convencidos de su radical giro e incluso terminan siendo creíbles en su nuevo papel.

Diane Birch: "Bible Belt" (S-Curve, 2009)

Diane Birch es una jovencita norteamericana, de tan sólo 25 años, que acaba de estrenar su primer disco, “Bible belt”. En él, Diane lleva a la práctica su deseo de combinar la música pop con el góspel y el soul de sentimiento religioso. De hecho, cuando comenzó su carrera como cantante, Diane Birch sólo había tenido contacto con la ópera, la música clásica y los himnos religiosos, pero fue su descubrimiento de grupos como Joy Division, The Cure, The Beatles o Fleetwood Mac lo que la llevó a dar un giro a su carrera musical y adentrarse en los territorios de la música popular, como se puede apreciar en su primer trabajo, producido por las leyendas del soul sureño Betty Wright y Steve Greenberg.

Buckwheat Zydeco: "Lay Your Burden Down" (Alligator, 2009)

Buckwheat Zydeco es un veterano músico de Louisiana, que mantiene viva la llama de la música cajun. En su último disco, primero para el sello de blues Alligator y titulado “Lay your burden down”, se hace acompañar de los guitarristas Sonny Landreth y Warren Haynes, líder de Gov’t Mule. En este disco, producido magistralmente por Steve Berlin, Buckwheat se acerca a otros estilos musicales como el soul, el ritmanblús y el funk, pero sin perder el sabor característico de la música de Louisiana.

Disco de la Semana

SOULSAVERS: "BROKEN" (V2, 2009)


En este su tercer disco, Soulsavers han entregado su mejor colección de canciones, aunque sigue siendo un disco arriesgado, que requiere de varias escuchar para acostumbrarse a su sonido y poder apreciar todos sus matices. No es un disco fácil y en un primer momento puede sonar a pastiche, a modernez absurda y revoltijo sin sentido. Pero nada más lejos de la realidad, es un disco bastante marciano, pero de sentimiento auténtico, que apuesta por el acercamiento a estilos musicales tradicionales desde un sonido renovado, haciendo uso de la electrónica.

Programa Nº 19 (8-12-09)

Por fin, ya tenemos el nuevo programa de Disonancias, emitido esta misma tarde en Radio Villamayor (100.0 FM). En él podrás encontrar un buen número de novedades discográficas seleccionadas, como siempre, con todo nuestro gusto y savoir-faire. Entre ellas, nuestro disco de la semana: "Broken", de Soulsavers.
Pincha en el siguiente enlace para descargártelo en formato MP3:
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Los Mejores Discos de Reggae

DENNIS ALCAPONE: "FOREVER VERSION"

(STUDIO ONE, 1971-72)

En nuestra sección dedicada a grandes discos de la música reggae, hoy hemos seleccionado un álbum del DJ Dennis Alcapone, titulado Forever Version y que recoge grabaciones realizadas entre los años 1971 y 1972 en Studio One, bajo las órdenes de Coxsone Dodd.
Dennis Alcapone era uno de los DJs más exitosos que siguieron la estela de U-Roy a principios de los años 70. Su estilo de fraseo o toasting era mucho más musical que el de U-Roy, por lo que recibió el título de primer “sing-jay” o pinchadiscos-cantante. Comenzó su carrera junto a los productores Keith Hudson y Duke Reid, pero fue en Studio One donde perfeccionó su estilo. En este estudio de grabación tuvo la suerte de aliarse con el ingeniero de sonido Sylvan Morris y el asistente Larry Marshall, dos técnicos de sonido muy creativos, que asumieron el reto de capturar su estilo a la perfección.

Dennis Alcapone comenzó su carrera en 1968 con un pequeño sistema de sonido llamado El Paso Hi-Fi, con el que iba de fiesta en fiesta pinchando discos. A finales de 1969 ya era uno de los DJs más respetados en los ghettos de Kingston, la capital de Jamaica. El Paso Hi-Fi adquirió una amplia base de seguidores entre los jefes de las bandas criminales, que no dudaban en contratarle para sus fiestas. Particularmente, era el favorito de Jack Massop, padre de Claude Massop, que se convertiría con el tiempo en el líder del partido conservador jamaicano JLP durante mediados de los 70.
Las primeras grabaciones de Alcapone salieron también en 1969, y durante los siguientes dos años se convertiría en uno de los más exitosos DJs en toda Jamaica, llegando a grabar más de 200 cortes. Aunque disfrutó de grandes éxitos en la radio como “Teach the children”, para Trojan, el sello de Duke Reid, y “Guns don’t argue” para Bunny Lee, las sesiones de los años 1971 y 1972 para Studio One recogidas en el recopilatorio Forever Version, le muestran en su mejor momento, añadiendo sus comentarios a algunos de los más grandes éxitos de este estudio en aquel periodo.

Doctor Explosion: "¡Chupa Aquí!"

Un grupo español que lleva ya muchos años defendiendo la herencia del garaje-rock y de las guitarras saturadas de fuzz. Comandados por Jorge, un hombre que no conoce las palabras desilusión o cansancio, publican su nuevo álbum, titulado “¡Chupa aquí!”. Grabado, ¿cómo no?, en sus propios estudios de grabación en Gijón, Circo Perrotti.

Willie Nile: "House of a Thousand Guitars" (2009)

Un gran músico del rock, que nunca ha llegado a alcanzar el reconocimiento de otros compañeros de profesión, pese a estar a su mismo nivel, es Willie Nile. Su último disco se llama House of a thousand guitars, la casa de las mil guitarras, y en él podemos encontrar algún tema de rock clásico de esos que sólo los grandes pueden firmar.

Mono: "Hymn to the Inmortal Wind" (2009)

Música de una belleza extrema en canciones de larga duración que empiezan tranquilas y espaciosas, y que acaban por estallar como una bomba, con una intensidad radiante e inusual. Este disco ha sido producido por Steve Albini y Mono reivindican su derecho a incorporar toda clase de instrumentos a su música, ya sean cuerdas, pianos o flautas, si bien al final siempre son las guitarras y esa lastrada percusión las que acaban estallando en una gran e incontrolable explosión.

Charlie Mingus: "Mingus Ah Um" (Columbia, 1959)

“Mingus Ah Um” es uno de los dos o tres discos indispensables en una colección de jazz que incluya alguna obra del bajista y compositor Charlie Mingus, y su mayor éxito comercial. Grabado en octeto, es uno de los mejores discos homenaje de toda la historia. Picoteando en otros estilos tan diversos como el góspel, el blues y el boogie-woogie, contiene algunas de sus mejores composiciones. Entre ellas se deben destacar “Fables of Faubus”, una canción protesta contra el gobernador de Arkansas Orval Faubus, contrario a la integración racial, y sobre todo “Better Git it in your soul”, en la que se puede escuchar a Mingus espolear a sus músicos a voz en grito y contrabajo en mano, y "Goodbye Pork Pie Hat".

Dave Brubeck: "Time Out" (Columbia, 1959)

Otro de los discos de jazz homenajeado en este paquete de reediciones del sello Columbia es “Time Out”, de Dave Brubeck, el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias. Planteado como un experimento, cada uno de los siete temas utilizaba metros rítmicos diferentes e inusuales en el jazz. Su contagioso single “Take five” llegó al número 5 de las listas de Billboard y propulsó al álbum al segundo puesto en la categoría de discos de pop.

Miles Davis: "Sketches of Spain" (Columbia, 1959)

Sony celebra el cincuenta aniversario de una serie de álbumes esenciales de la música jazz, publicados todos ellos en 1959 en el sello Columbia.
El más importante de todos ellos es sin duda “Kind of blue”, de Miles Davis, que ya ha recibido un especial tratamiento en el programa de Radio Villamayor, Viaje al fin de la noche, por lo que no nos detendremos en él. Pero ese mismo año Miles Davis publicaba otro gran álbum, Sketches of Spain. Este disco, de temática española y flamenca, significa la cumbre de Miles en sus obras con orquesta, para lo que contó con la colaboración del productor y arreglista Gil Evans, que fue el encargado de poner en funcionamiento una maquinaria al servicio del trompetista con un repertorio en el que se incluían composiciones de Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo.

Disco de la Semana

CHEAP TRICK: "SGT. PEPPER LIVE" (2009)


Muy pocos grupos se han atrevido a interpretar un disco completo de otra banda, y menos aún en directo, como han hecho Cheap Trick, una banda ya veterana, con el mítico álbum de los Beatles. La grabación tuvo lugar en el Waldorf Astoria de Nueva York frente a un público reducido. Originalmente la banda interpretó el álbum cuando se cumplieron cuarenta años de su edición, en dos noches con entradas agotadas en el Hollywood Bowl de Los Angeles. Pero días después les propusieron realizar este mismo espectáculo en un círculo más íntimo, con el objetivo de recaudar fondos para los enfermos de cáncer. Cheap Trick accedieron con la condición de grabar el concierto y donar también los ingresos de la venta de este disco a los afectados por esa enfermedad.


Para este recital, Cheap Trick contaron con la filarmónica de Nueva York, la Indian Sitar Band y la colaboración de Ian Ball y Joan Osborne. La interpretación de este faraónico álbum dudo que hubiese sonado mejor de existir hoy en día los Beatles, pero es que a Cheap Trick le viene como anillo al dedo. Todos están fantásticos: Rick Nielsen colorea el trabajo de guitarras que realizaron Lennon y Harrison con mucha picardía, Tom Peterson llena todos los espacios con su bajo, Bun E. Carlos supera con creces la apatía de Ringo Starr, y Robin Zander merece un capítulo aparte, pues su tarea como vocalista no era nada fácil. Sin embargo, alcanza la gloria emulando cuando toca a Lennon, a McCartney o a Ringo. Canciones como Fixing a hole, A day in the life y She`s leaving home, aterrizan ahora en otra dimension gracias a esas colosales estrofas entonadas por Zander, sin olvidar la conjunción de toda la banda con la orquesta.
De postre incluyen los seis últimos minutos de la segunda cara del álbum Abbey Road, que como el resto del directo alcanza la esencia de la magia original.

Programa Nº 18 (17-11-09)

Ya está disponible en formato MP3 nuestro último programa, emitido esta misma tarde en Radio Villamayor (100.0 FM). Entre sus contenidos puedes encontrar lo siguiente:
- Disco de la semana: "Sgt. Peppers Live", de Cheap Trick.
- Reediciones: The Beatles, Miles Davis, Dave Brubeck, Charlie Mingus.
- Novedades: Mono, Willie Nile, Doctor Explosion.
- Los mejores discos de Reggae: "Forever Version", de Dennis Alcapone.
Para bajártelo, pincha en el siguiente enlace:
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Frank Sinatra

Count Basie: "April in Paris" (Verve, 1954)

Un ejemplo perfecto de las grandes orquestas de swing, Count Basie en su edad madura.

George Gershwin: "Rhapsody in Blue"

Sun Araw: "Beach Head" (Not Not Fun, 2008)

“Heavy Deeds” no es más que una confirmación de lo que Sun Araw había apuntado en sus anteriores discos, haciendo gala de una prolífica creatividad, pues en cuestión de apenas dos años ha publicado media docena de álbumes. El año pasado, ya en el sello Not Not Fun, sacaba a la luz Beach Head, un disco en el que se podía sentir la calidez del clima de California y sus soleadas playas. El propio Stallones reconoce la influencia del entorno en sus composiciones, en especial la ciudad de Los Angeles y sus gentes, pero también Hollywood como meca de los sueños y tumba de las ambiciones humanas.

Sun Araw: "Heavy Deeds" (Not Not Fun, 2009)

Sun Araw es el seudónimo artístico de Cameron Stallones. Su último disco se titula Heavy Deeds y acaba de salir en el sello Not Not Fun. Su música gira en torno al rock psicodélico y la vanguardia, estando construidas habitualmente a partir de una línea de bajo pregrabada que marca un patrón rítmico que se repite hasta el infinito, sobre el que superpone partes vocales hipnóticas que se asemejan a un mantra y sobre todo, las partes de guitarra que van evolucionando gradualmente desde pequeños estallidos de sonido hasta extensos pasajes instrumentales, todo ello adornado con capas de órgano, tintineo de campanas o lo que el desarrollo de cada tema vaya pidiendo.

Clásicos Olvidados:

DEL SHANNON: "LITTLE TOWN FLIRT"

(BIG TOP, 1962)

A medio camino entre el rock and roll y el doo-wop, Del Shannon grabó su segundo álbum tras un éxito enorme e inesperado con su primer LP, otro clásico titulado “Runaway”, que le obligó a buscar desesperadamente otra canción del mismo estilo.

Pero lo cierto es que Del Shannon logró superar su primer álbum con “Little Town Flirt”, cargándolo de pop optimista y temas adolescentes, pese a que su vida nada tenía que ver con los institutos y la universidad. Él era un luchador nato, procedente de Michigan, con un alma de rocker a la antigua usanza que combinaba con las melodías pop de la radio que hacían furor entre los jóvenes. En este disco se pueden encontrar singles de éxito inmediato, que adelantaban lo que sucedería un par de años más tarde, con la aparición de los Beatles y demás grupos de la invasión británica. Es uno de los primeros precursores del pop. Un adelantado a su tiempo.

Programa Nº 17 (14-11-09)

El nuevo programa de Disonancias en la radio ya está disponible en formato MP3. Sólo tienes que pinchar en el enlace que aparece más abajo.
Entre sus contenidos podrás encontrar lo siguiente:
- Presentación del CD de regalo de la revista Shindig!
- Sky Saxon (R.I.P.)
- Groovie Records.
- Novedades discográficas: Horisont, Sun Araw, Willie Nile.
- Reediciones: The Soft Machine.
- Clásicos olvidados: Del Shannon y su álbum de 1962 "Little Town Flirt".
- Historia del Rock'n'Roll: antecedentes (la industria musical).
http://rapidshare.com/files/307024550/Disonancias_-_Programa_17.mp3

The Soft Machine: "Volume Two" (ABC, 1969)

En su segundo disco derivaron más claramente hacia el jazz-rock, en un álbum cargado de humor, psicodelia y referencias al dadaísmo y el surrealismo.

The Soft Machine (ABC, 1968)

Se acaban de reeditar los dos primeros álbumes de The Soft Machine, pioneros del rock psicodélico británico y del rock progresivo.

En su primer disco, publicado en 1968, aún contaban en sus filas con Kevin Ayers y, por supuesto, en la batería se sentaba el gran Robert Wyatt.

Groovie Records

Groovie Records es un sello discográfico de Portugal fundado por Edgar Raposo en 2005 y especializado en reeditar grandes discos olvidados de los años 60, junto a nuevos lanzamientos de bandas actuales que se inspiran en los sonidos de aquella década dorada. Entre sus próximos proyectos se encuentra publicar una antología del grupo brasileño Os Baobas.

http://www.myspace.com/groovierecords

Horisont: "Tva Sidor av Horisonten"

Horisont son una banda procedente de Suecia, que recoge el testigo de otros grandes grupos nórdicos aparecidos en las últimas décadas, desde los Nomads y The Hellacopters hasta The Hives. Acaban de publicar su primer disco, titulado en sueco “Tva Sidor av Horisonten”. Sus influencias están entre el rock psicodélico americano de los 60 y el hard-rock de los 70.

Sky Saxon ha fallecido

El misma día de la muerte de Michael Jackson fallecía el rey del garaje rock, Sky Saxon, el que fuera vocalista durante los años 60 de la banda norteamericana The Seeds.

Shindig!

Shindig! es una revista británica especializada en la música de los años 60 y todas sus derivaciones.

Si quieres conocerla, te dejo un enlace a su página web:

http://www.shindig-magazine.com/

Michael J. Sheehy and the Hired Mourners: "With These Hands"

El cantautor británico Michael J. Sheehy moldea, junto a su banda, un disco de puro sabor americano, que parece cantado desde la bodega de un barco mercante en alta mar, entre copazos de góspel, folk y country-blues.

Grandes Sellos Discográficos: Warp Records

Nos vamos a trasladar a la ciudad de Sheffield, donde su fundó uno de los sellos fundamentales en la evolución de la música electrónica: Warp Records. Ellos mismos bautizaron su música como Intelligent Dance Music, es decir, música inteligente de baile, siendo su objetivo publicar discos de música electrónica que se pudieran escuchar en casa igual que en los clubs. Música de baile abstracta y cerebral. El primer single del sello salió en el año 1989 y solamente se prensaron 500 copias, que los fundadores del sello, Steve Beckett y Rob Mitchell, distruyeron en un coche prestado. En él se incluían dos temas de Forgemasters, alias utilizado por el productor Robert Gordon.

John Anderson: "Bigger Hands"

Siguiendo con las novedades dentro de la música vaquera, John Anderson acaba de publicar su último disco, “Bigger hands”. En él Anderson se rodea de buenos compañeros, como Mark Farmer y James Stroud, para dar a luz un álbum de puro honky tonk y denuncia social, con un sonido entre lo sofisticado y lo rural.

La madurez del que fuera una joven promesa allá por los años 80.

Eilen Jewell: "Sea of Tears"

La cantautora Eilen Jewell es una de las nuevas voces femeninas del country más interesantes aparecidas en los últimos tiempos. Ha sido comparada a Lucinda Williams por su timbre de voz, entre dulce y rasposa, aunque su música tiene pone similitud con la de ésta. Las letras de sus canciones gustan del dramatismo e incluso la tragedia. Su último disco se titula “Sea of tears”, mar de lágrimas.

John Martyn: "London Conversation"

El disco debut de John Martyn, maestro de las seis cuerdas.

Dan Baird & Homemade Sin

Dan Baird es un ilustre currante del rock, que acarició el éxito masivo con su primera banda, The Georgia Satellites, y en la actualidad sigue predicando las bondades de esta música desde la sinceridad, la humildad y la autenticidad.

Su último proyecto lleva el nombre de Dan Baird & Homemade Sin.

Los Mejores Discos de la Historia del Rock

THE JESUS & MARY CHAIN: "PSYCHOCANDY" (BLANCO Y NEGRO, 1985)

Hoy vamos a viajar hasta la década de los 80, concretamente al año 1985, en el que se publicó uno de los discos fundamentales del noise-pop, que daría lugar al surgimiento de innumerables bandas que trataron de emular su sonido. Estamos hablando del álbum “Psychocandy”, del grupo escocés The Jesus & Mary Chain. Aquel disco se abría con el tema “Just like honey”, que regresó a la actualidad al ser incluido en la película de Sofia Coppola, “Lost in traslation”.

El núcleo principal de Jesus & Mary Chain estaba compuesto por los hermanos William y Jim Reid, que habían estado coqueteando con formar una banda desde el surgimiento del punk en 1977, cuando eran unos adolescentes, pero no harían realidad su deseo hasta el año 1983, hartos de escuchar a tantos grupos de electro-pop mierdero, decidiendo que ya era hora de que volvieran a oírse las guitarras. Durante los cinco años anteriores habían estado en el paro y ello les proporcionó el tiempo necesario para componer canciones y afilar su sonido, que iba a dejar pasmado a medio mundo, por su uso excesivo de la distorsión y el feedback, como se puede escuchar perfectamente en su primer álbum.

En 1983 los hermanos Reid comenzaron a mandar maquetas de sus canciones a las compañías discográficas y para principios del siguiente año se habían hecho con los servicios del bajista Douglas Hart y el batería Murray Dalglish. Sus principales influencias eran The Velvet Underground, The Stooges y las Shangri-Las, una perfecta combinación de melodías pop y el rock más salvaje y arriesgado. De ahí su utilización del ruido y el feedback como una niebla que difuminase unas canciones básicamente pop. Estas ideas sobre su sonido se combinaban con una actitud punk y mucha dejadez, como si mandaran un mensaje alto y claro de que les importaba un bledo lo que los demás pudiesen pensar de ellos.

Pero The Jesus & Mary Chain no conseguían atraer la suficiente atención en su escena local de Escocia, así que decidieron trasladarse a Londres, donde harían un espectacular efecto. Sus conciertos, en los que salían ciegos de anfetas y LSD, no tenían piedad del público asistente, con los amplificadores a un volumen brutal y totalmente saturados de feedback, los miembros de la banda de espaldas al público y con una duración que nunca sobrepasaba los 20 minutos. Algunas de sus actuaciones terminaron en auténticos disturbios, con la gente rabiosa por la excitación provocada por la música y por la corta duración de los conciertos, que dejaban al público deseoso de más y con la sensación de haber sido despreciados por el grupo. Muy pronto, la prensa empezó a compararlos con los Sex Pistols y muchos condados ingleses prohibieron sus conciertos.
Por entonces, Alan McGee se había convertido en su manager y los había fichado para su sello Creation, una de las discográficas fundamentales en el surgimiento y desarrollo de la música independiente británica. El puesto de batería lo había pasado a ocupar Bobby Gillespie, del grupo Primal Scream, después del abandono de Murray Dalglish. Con esta formación grabarían su primer single, “Upside down”, que obtuvo un enorme éxito para tratarse de un lanzamiento independiente, razón por la cual captaron el interés de la discográfica Blanco y Negro, subsidiaria de la multinacional WEA, que les ficharía para grabar su primer álbum, “Psychocandy”, que hoy hemos elegido como uno de los mejores discos de la historia del rock.

Disco de la Semana:

JOE HENRY: "BLOOD FROM STARS" (ANTI-, 2009)

Joe Henry es una cantautor y guitarrista nortemericano, que sin embargo es más conocido por sus labores como productor, al servicio de artistas como Elvis Costello, Solomon Burke y Richard Thompson, entre muchos otros.
Su anterior disco, “Civilians”, cogió a más de uno despistado, y empezó a desvelarse su verdadera categoría como músico y compositor. “Blood from stars”, su nuevo disco, sigue en la misma línea en cuanto a sonido y estructura, aunque con distintos matices, pues en este disco Joe Henry se acerca más al jazz y al blues. Sin duda, parecen haberle influido sus recientes trabajos en la cabina de producción para Ramblin’ Jack Elliott y Allen Toussaint.

La riqueza de Blood from stars se abre al oyente atento y promete semanas de escuchas repetidas. Es un disco jazzístico, nocturno, de sentimiento soul, como si Tom Waits retrocediera hasta los años setenta, sobrio y con el traje bien planchado. También hay originales y sutiles combinaciones instrumentales, estructuras nada evidentes, música que crece y crece a cada minuto. Es un traje a medida para los amantes de la elegancia, solo apto para los que saben separar de la lista de novedades la paja del grano, pues ellos sí sabrán dedicarle el tiempo necesario. Seguramente, el disco con más clase y elegancia del año.

Programa Nº 16 (10-11-09)

Nuestro nuevo programa, emitido esta misma tarde en Radio Villamayor, 100.0 FM.
Entre sus contenidos:
- Disco de la semana: "Blood from stars", de Joe Henry.
- Los mejores discos de la historia del rock: "Psychocandy", de The Jesus & Mary Chain.
- Novedades: The Lovetones, Eilen Jewell, John Anderson, Michael J. Sheehy.
- Grandes sellos discográficos: Warp Records.
Para descargártelo en formato MP3, pincha en el siguiente enlace:
http://rapidshare.com/files/305115751/Disonancias_-_Programa_16.mp3

Pearl Jam: Discografía Completa

Pearl Jam era una banda formada después de que el bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard abandonaran su grupo anterior, Mother Love Bone, uniéndoseles el vocalista Eddie Vedder, el segundo guitarrista Mike McCready y el batería Dave Krusen, que sería sustituido por Matt Chamberlain y posteriormente por Dave Abbruzesse. Pronto se les acusó de subirse al carro del movimiento grunge, que había tenido un gran impacto mediático con el éxito de Nirvana y su disco “Nevermind”. Ciertamente, los miembros de Pearl Jam no pertenecían a ese movimiento, pero adoptaron su sonido popularizándolo entre el público mayoritario. Por ello, nunca despertaron grandes simpatías entre las bandas de rock alternativo y los seguidores de este movimiento.

Su primer álbum, "Ten", no fue un éxito inmediato, pero terminaría escalando en las listas de ventas hasta alcanzar el puesto número 2 de álbumes más vendidos en Estados Unidos a finales de 1992, más de un año después de su publicación. Sigue siendo el disco de mayor éxito de la banda, habiendo conseguido trece discos de platino sólo en los Estados Unidos.

El segundo disco de Pearl Jam apareció en 1993 y se tituló “Vs”. Después de haberse embarcado en una serie de interminables giras para respaldar en directo su álbum debut, los miembros de la banda encaraban en el estudio el reto de grabar un nuevo disco que pudiera al menos repetir el enorme éxito del anterior. Su respuesta fue un disco con un sonido más crudo y agresivo.
“Vs” se instaló directamente en el número 1 en los Estados Unidos desde el mismo momento de su publicación y permanecería en lo más alto durante cinco semanas. Pero la crítica especializada y los aficionados serios al rock seguían dándoles calabazas y viéndoles como unos aprovechados.

En 1993, Pearl Jam publicaron su tercer álbum, “Vitalogy”, para el que trabajaron con el productor Brendan O’Brien. Su contenido presenta una mayor variedad musical, siendo un disco más arriesgado y menos comercial que los anteriores. Sin embargo, el éxito en ventas siguió acompañándoles, aunque con una trayectoria descendente respecto a sus dos primeros álbumes.
Lo que sí se puede apreciar en este disco es un acercamiento más maduro y auténtico a un sonido rock más clásico, tomando como referente a uno de sus grandes ídolos, Neil Young, con el que llegarían a colaborar más tarde en el disco “Mirror Ball”. En consonancia con esta mirada al pasado del rock y a sus valores más auténticos, Pearl Jam decidieron publicar “Vitalogy” primeramente en vinilo, y la edición en CD no aparecería hasta dos semanas más tarde.

Dos años transcurrieron hasta la salida de un nuevo disco de Pearl Jam, titulado “No Code”. Entre tanto, la banda había protagonizado una problemática gira mundial debido a su boicot a la empresa multinacional de venta de entradas Ticketmaster. La música incluida en “No Code” era aún más diversa que en su anterior disco, incorporando elementos del garaje-rock, el worldbeat o músicas del mundo y el experimentalismo. Aunque el álbum alcanzó el número 1 en las listas la misma semana de su lanzamiento, no convenció a sus seguidores y rápidamente empezó a caer en las listas de ventas. Fue el primer disco de Pearl Jam que no alcanzó el multi-platino y su último número 1 hasta la publicación de “Backspacer”, su nuevo álbum de 2009.

El siguiente álbum de Pearl Jam se tituló “Yield”, y apareció en 1998 en su sello de siempre, Epic, y con la producción del habitual Brendan O’Brien. Fue promocionado como un retorno al sonido rock de sus inicios, dejando a un lado su vertiente más innovadora. Sin embargo, ya no volverían a disfrutar de su éxito masivo de antaño. Sus seguidores más convencionales les habían dado la espalda, aunque no así la crítica musical especializada, que les había defenestrado en sus primeros álbumes. La situación de la banda se invertía, si al principio arrasaban entre los adolescentes y el público mayoritario, pero la crítica y los aficionados serios les rechazaban, ahora ocurría lo contrario, empezaban a ver reconocida su labor por la crítica y los aficionados cuando sus ventas y éxito comercial disminuían. Aún así, alcanzaron el número 2 en las listas, siendo superados únicamente por la banda sonora de la película Titanic.

“Binaural” fue el sexto álbum de Pearl Jam, y recibió este nombre por la utilización este sistema de sonido en algunos temas por parte del productor Tchad Blake.
Para “Binaural”, Pearl Jam se sumergían de nuevo en la experimentación, tal vez intentando encontrar la salida a un bloqueo creativo preocupante. El propio Eddie Vedder reconoció posteriormente que les resultó muy difícil completar el disco, sobre todo en cuanto a las letras de las canciones. Pearl Jam se encontraban en una situación que más tarde o más temprano amenaza a los grupos que obtuvieron un gran éxito en sus inicios, pero que al intentar expresar una mayor madurez musical, se encuentran con el rechazo de sus seguidores. Simplemente, no sabían qué camino seguir y andaban bastante confusos en cuanto a su orientación musical, por lo que echaron mano de múltiples y variadas influencias y estilos, desde el folk-rock y el rock psicodélico hasta el post-punk y los largos pasajes instrumentales. Sus ventas siguieron disminuyendo a una mayor velocidad.

El siguiente disco de Pearl Jam, titulado “Riot act”, ofrecía más de lo mismo y pasó sin pena ni gloria, siendo además su último album para la discográfica Epic. Su productor fue Adam Kasper y la banda seguía buscando una identidad que no lograban alcanzar. No terminaban de convencer a nadie y, peor aún, tampoco a sí mismos. Se tomarían un descanso hasta el año 2006, en que aparecería su regreso a los estudios con un disco titulado con el propio nombre de la banda, publicado por la discográfica J Records.Este disco iba a significar un renacimiento de Pearl Jam, con un regreso a su sonido original y una reconciliación con sus seguidores más fieles, aunque sin recuperar el éxito masivo.









Y así llegamos a su ultimo disco, el noveno, titulado “Backspacer” y publicado en su propio sello Monkeywrench, aunque distribuido en todo el mundo por Universal. De nuevo han trabajado con el productor Brendan O’Brien, presentando un sonido más pop, influenciado por la new wave. Como viene siendo habitual en la carrera de Pearl Jam, las reacciones a este disco han sido dispares, tanto entre sus seguidores como entre los aficionados en general y la crítica musical. No obstante, han recuperado su éxito comercial, llegando al número 1, algo que no conseguían desde su disco “No Code”, de 1996.

Programa Nº 15 (7-11-09)

Nuestro programa de radio del sábado (ayer) ya está disponible para que os lo descargéis en MP3. En él podrás encontrar los siguientes contenidos:
- Disco de la semana: "Singlewide" de The Dexateens.
- Repaso a toda la carrera discográfica de Pearl Jam y nuevo disco.
- Nuevo capítulo de la biografía de los Rolling Stones: primeras experiencias sobre el escenario de sus miembros y la influencia de Buddy Holly.
Si lo quieres, pincha en el siguiente enlace y podrás disfrutarlo en tu salón o habitación cuando te apetezca:
http://rapidshare.com/files/304013989/Disonancias_-_Programa_15.mp3

Levon Helm: "Electric Dirt"

Levon Helm, (Arkansas, 1940) lleva tantos tiros pegados en esta vida que es muy difícil sintetizarlos en un párrafo (que es lo que aquí toca). Es famoso sobre todo por haber sido el batería de The Band, pero es que también estaba en la formación primitiva de este grupo, llamada The Hawks; y antes, en Toronto, había tocado con Conway Twitty, un cantante de rock´n´roll de los 50; y todavía antes, cuando estudiaba en el instituto, ya tenía su banda, Jungle Bush Beaters. Después de la primera etapa de The Band, Helm sacó su primer disco en solitario en 1977 (Levon Helm & the RCO All Stars), al que seguirían otros tres, entre los que destaca American Son (1980). The Band volvió a reunirse, ya sin Robbie Robertson, en 1983, y perdió trágicamente a Richard Manuel en 1986. El trío restante publicó Jericho en 1993, año en que Helm publica su autobiografía, This Wheel’s on Fire. The Band publicó todavía otros dos álbumes antes de jubilarse (Jubilation, 1998) y Levon Helm fundó un nuevo grupo, de divertido nombre, Levon Helm & the Barn Burners., y publica Souvenir, Vol 1 en 2000. Un cáncer en las cuerdas vocales silenció a Helm durante cinco años, en los que siguió tocando la batería. Superada la enfermedad, volvió a cantar, ahora con una voz distinta, y celebró su salud con tres discos en directo (dos de ellos con el título de The Midnight Ramble Music Sessions). En 2007 volvió al estudio (el suyo, lo tiene en Woodstock, Nueva York) con Dirt Farmer y ahora publica Electric Dirt.

http://extremasound.wordpress.com/2009/07/10/levon-helm-electric-dirt-2009/