Programa Nº 74

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Contenidos:
- Disco de la semana: "Bardo Pond".
- Otras novedades: "The world is yours", de Motörhead.
- Mejores discos de la historia del rock: "Doolittle", de Pixies.

Los Mejores Discos de la Historia del Rock

PIXIES: "DOOLITTLE"

(4AD, 1989)

El segundo álbum de Pixies, publicado en el año 1989 por el sello 4AD, con el respaldo en la distribución y promoción de la multinacional Elektra, fue producido por el británico Gil Norton en los estudios Downtown Recorders, de Boston, ciudad de origen de la banda, y Carriage House, en Stamford, Connecticut.

La banda formada por Black Francis, Kim Deal, Joey Santiago y David Lovering, entró a grabar “Doolittle” después de que su anterior álbum, “Surfer Rosa”, recibiera grandes elogios de la crítica, pero esto no se correspondiera con el éxito comercial, y después también de una gira por Europa junto a otro grupo de Boston, Throwing Muses, entonces igualmente en pleno auge.
Durante estas grabaciones comenzaron a aflorar las tensiones entre Francis y Kim Deal, que dificultaron el desarrollo de las sesiones en el estudio y contribuyeron a aumentar el nivel de estrés y presión sobre el grupo. John Murphy, marido por entonces de Kim, declaró que la actividad de la banda había pasado de la diversión al trabajo puro y duro.
La consiguiente gira después de la publicación del álbum llevó a los miembros de Pixies a tomarse un descanso, y a su regreso en 1990, Black Francis comenzó a limitar la contribución de Kim Deal a la banda, especialmente en el apartado de composición de los temas, ya que no volvió a incluirse ningún tema compuesto ni cantado por la bajista del grupo en los siguientes dos elepés, “Bossanova” y “Trompe Le Monde”. Este enfrentamiento conduciría finalmente a la disolución de Pixies a principios de 1993.

Musicalmente, “Doolittle” contiene una ecléctica mezcla de estilos musicales. Mientras que cortes como “Tame” y “Crackity Jones” son rápidos y agresivos, e incorporan la dinámica de contrastes entre pasajes ruidosos y chillones con otros tranquilos, que es la marca de fábrica de la banda, otras canciones como “Silver”, compuesta a medias por Kim Deal, “I Bleed” y “Here Comes Your Man”, revelan un temperamento más melódico y relajado. Además, Pixies comenzaron a añadir otros instrumentos a su sonido, principalmente de cuerda, como violines y cellos.
En cuanto a las letras, obra de Black Francis, éstas abordan todo tipo de asuntos escabrosos, bíblicos, surrealistas, catastróficos, angustiosos, míticos, escatológicos e incluso manifiestamente absurdos, pero siempre conservando una elevada cota de excentricidad, como corresponde a una de las bandas más singulares y brillantes del rock independiente de los 80 y 90.

Motörhead: "The Wörld is Yours"

El último álbum de Motorhead se llama “The World is yours”, y no presenta demasiados cambios ni sorpresas frente a sus numerosos trabajos anteriores, pero quién las necesita cuando la fórmula sigue funcionando a la perfección y la maquinaria continúa bien engrasada.

Bardo Pond: "Bufo Alvarius, Amen 29:15"

Además de la publicación de su nuevo disco, recientemente Bardo Pond han visto reeditado su primer álbum, Bufo Alvarius, Amen 29:15, publicado originalmente por el sello Drunken Fish en 1995, y bautizado con el nombre de un sapo cuya piel contiene una substancia psicoactivo, por lo que desde un principio dejaban en evidencia sus intenciones musicales de expansión mental y connotaciones psicodélicas.

Disco de la Semana

BARDO POND
(FIRE, 2010)

En la actualidad forman Bardo Pond los hermanos John y Michael Gibbons, guitarristas ambos de expansiva creatividad, Isobel Sollenberger a la voz y la flauta, Clint Takeda a la tercera guitarra, que no falten, Jason Kourkunis a la batería y Aaron Igler a los cachivaches electrónicos, para añadir más densidad si cabe al sonido de la banda.

Éste es su último álbum, de título homónimo (o sin título).

Programa Nº 73

Contenidos:

- Los 10 mejores álbumes del año 2010, según la revista Ruta 66.

- Reediciones: Kim Fowley y The Incredible String Band.

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Los Mejores Álbumes de 2010 según la revista Ruta 66

1.Eddy Current Suppression Ring: "Rush to Relax"

2.Nick Curran & The Lowlifes: "Reform School Girl"

3.Arcade Fire: "The Suburbs"

4.The Jim Jones Revue: "Burning Your House Down"

5.Drive-By Truckers: "The Big To-Do"

6.Edwyn Collins: "Losing Sleep"

7.Mavis Staples: "You Are Not Alone"

8.The Black Keys: "Brothers"

9.Kill Devil Hills: "Man, You Should Explode"

10.Phosphorescent: "Here's to Taking it Easy".

Kim Fowley: "One Man's Gargabe" / "Another Man's Gold"

El sello Norton ha publicado dos volúmenes de material casi arqueológico dedicados al extravagante Kim Fowley. Llevan por título “One Man’s Garbage” y “Another Man’s Gold”, la basura de un hombre y el oro de otro, tesoros perdidos de los archivos 1959-1969.

The Incredible String Band

Se han reeditado los cuatro primeros álbumes de la Incredible String Band.

Estos discos, en su mayor parte memorables, son, por orden cronológico, el disco debut homónimo, “The 5 thousand spirits or the layers of the onion”, “The hangman’s beautiful daughter” y “Wee Tam and the big huge”.

Programa Nº 72

Contenidos de la 72ª emisión de nuestro programa de radio:

- Disco de la semana: "Signs & Signifiers" de JD McPherson.

- Historia de The Rolling Stones: enero de 1963.

- Grandes discos de la música jamaicana: " 'Til Shiloh" de Buju Banton.

- Robert Johnson: "Sweet Home Chicago" (23 de noviembre de 1937).

- Producciones de Phil Spector: "Be a soldier" de Terry Day.

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Disco de la Semana

JD McPHERSON: "SIGNS & SIGNIFIERS"

Nuestro disco de la semana, que también ha sido disco del mes en la revista Ruta 66, es el álbum “Signs & Signifiers” de JD McPherson, un ejercicio retro a la vez que contemporáneo con la mirada puesta en los orígenes del rock’n’roll allá por los años 50.

Este álbum es el resultado de la colaboración entre JD Mcpherson, guitarra y vocalista del grupo Starkweather Boys, y Jimmy Sutton, de los Four Charms, que se encarga de las tareas de producción y del contrabajo. A ellos dos se unió Alex Hall a la batería. Además, en su grabación han colaborado otros músicos como Scott Ligon, de NRBQ, Jonathan Doyle, Josh Bell, Suvan Voelz y Allison Chesley, para dar la forma definitiva a un puñado de canciones que gravitan en torno al rockabilly, el jump blues, el R&B primigenio y el honky tonk.

Historia de The Rolling Stones: Enero de 1963

Durante el mes de enero de 1963, The Rolling Stones ofrecieron 18 conciertos en distintos clubs de Londres y alrededores. Durante este tiempo, Bill Wyman se había vuelto a incorporar a la formación de la banda en directo, aunque no de forma permanente, y el 11 de enero el batería Tony Chapman participó por última vez en una actuación de los cantos rodantes. Un día más tarde, el 12 de enero de 1963, Charlie Watts ocupó por primera vez su puesto de batería en un concierto en el club Ealing, en el que también participó Bill Wyman. Ya estaba conformada así la alineación definitiva de los Stones durante casi una década, hasta la muerte prematura de Brian Jones, incluido el teclista Ian Stewart, que sería más tarde apartado como miembro oficial de la banda y por causas publicitarias por el mánager Andrew Loog Oldham, aunque continuaría vinculado al grupo hasta su muerte en 1985 como sexto Rolling Stone.

Así veía Keith Richards la incorporación de Charlie Watts a la batería: “La escena del R&B empezaba a florecer y allí estaba Charlie en una misma actuación con nosotros en un club. Había dos bandas, y Charlie tocaba con el otro grupo. Había dejado a Alexis Korner y estaba con los mismos tipos a los que Brian había mandado a tomar por culo seis meses antes. Nosotros hicimos nuestra actuación y Charlie quedó impresionado. Nos dijo, sois grandes, tíos, pero necesitáis un buen batería. Así que le dijimos: Charlie, podemos permitirnos tenerte en nuestro grupo, si tú quieres. Porque él tenía un trabajo y sólo quería tocar los fines de semana. Así que aceptó y dejó la otra banda para tocar con nosotros”.

Así lo recuerda también Mick Jagger: “Nosotros pensábamos que Charlie estaba a la última moda, por sus chaquetas y camisas. Además, trabajaba en una agencia de publicidad, por lo que era muy diferente a nosotros. Era bueno para la banda tener a alguien decidido y con las ideas muy claras. Tuvimos que convencerle de que lo que nosotros tocábamos no era rock’n’roll”. Por su parte, ésta era la opinión de Charlie Watts: “Yo practicaba en casa todo el tiempo con discos de jazz. El único rock’n’roll que había escuchado fue después de que los chicos de los Rolling Stones me hicieran prestarle atención. Me gustaron Jimmy Reed y Bo Diddley, y a partir de ahí continué con Roy Orbison, y poco a poco comencé a apreciar lo buenos que eran los primeros discos de Elvis Presley. Cuando me uní a los Rolling Stones, solía sentarme y Keith y Brian me ponían los discos de Jimmy Reed. Ponían esos discos a todas horas y tocábamos muchas de esas canciones en nuestros conciertos. Así que me las aprendí por ellos. Si me preguntas por el blues rural o por el blues de Chicago, la verdad es que no lo conocía, no tenía ni idea. Sin Chuck Berry no creo que la música fuera como es hoy. Así de bueno es, pero yo se lo debo a Keith. Él me enseñó a apreciarlo”.

En cuanto a Ian Stewart, ésta era su visión del asunto: “Con la incorporación de Charlie la atmósfera dentro de la banda cambió. En los primeros tiempos yo pensaba que Keith era una persona difícil de conocer. Yo observaba a Keith con otra gente, y me parecía que siempre se comportaba de una forma reservada, se contenía un poco. Pero él y Charlie eran como un jodido dúo cómico. Compartían el mismo sentido del humor”. Mick Jagger también lo veía del siguiente modo: “Tuvimos la ventaja de que Keith y yo enseguida nos llevamos muy bien con Charlie. El hecho de que tres de nosotros nos cayéramos tan bien fue muy importante”. Por último, el propio Charlie Watts pone el colofón a este periodo de la banda: “Mientras Mick estaba en la escuela, Keith y Brian siempre estaban tocando. Yo vivía con ellos en esta casa en la que no teníamos que pagar alquiler, y no había mucho que hacer, sólo pasar el tiempo. Pero tenía suerte, porque al menos tenía un lugar a donde ir. Dos veces a la semana volvía a mi casa. Pero fueron días fantásticos. Brian y Keith se sentaban y pasaban todo el día tocando canciones de Jimmy Reed. Yo lo supe después”.

Grandes Discos de la Música Jamaicana

BUJU BANTON: " 'TIL SHILOH" (1995)

Hasta principios de los 90, el ragga, versión dura del reggae que había reinado en las pistas de baile de Jamaica desde 1985, había estado asociado de forma casi universal a la cultura de las bandas callejeras con pistolas y a las letras cargadas de un lenguaje sexualmente explícito. Entonces, surgió una nueva generación de vocalistas más concienciados como Garnett Silk, que cantaba contra las injusticias de la sociedad actual y alababa la vida honrada. El asesinato sin sentido de uno de estos jóvenes cantantes, Panhead, en 1993, también ayudó a que se consolidara este cambio. Buju Banton, nacido en Kingston en 1973 como Mark Myrie, se sintió particularmente afectado por la muerte de su compañero y amigo. Muy pronto publicaría su canción “Murderer”, asesino, un tema que fue fundamental a la hora de cambiar el enfoque de las letras de los vocalistas de ragga, alejándolos de la exaltación de la vida violenta y de las armas de fuego.

El joven Buju Banton había comenzado a dejarse crecer los tirabuzones al estilo rastafari y a escuchar el discurso de las viejas generaciones de cantantes de reggae, aunque sin duda tampoco tenía inconveniente alguno en seguir grabando temas rompedores de baile como el festivo “Champion”, que tuvo un gran éxito en Jamaica.

Ni siquiera el impacto causado por los singles de adelanto a la publicación del álbum “Til Shiloh” hacía presagiar la brillantez de este disco como obra total dentro de la historia del reggae, siendo el tercero que grababa junto al productor Donovan Germain. Este álbum ya se podría considerar esencial en cualquier colección de música de este género únicamente por dos de sus cortes: los reflexivos “Til I’m laid to rest” y “Untold Stories”. Este último es un tema semiacústico que recuerda al clásico “Redemption Song” de Bob Marley, e incluye letras como las siguientes: “Todo lo que veo es gente destrozando, robando y aprovechándose, y ningún amor para la gente que seguro que está sufriendo y pasándolo mal de verdad”.

Robert Johnson: "Sweet Home Chicago" (23 de noviembre de 1937)

El tercer tema grabado por el bluesman Robert Johnson el 23 de noviembre de 1937 es “Sweet Home Chicago”, publicado por el sello Vocalion a 78 revoluciones por minuto. Esta canción fue escrita por el propio Robert Johnson y se ha convertido en uno de los himnos más populares de la ciudad de Chicago, a pesar de la ambivalencia de la letra de la canción. En realidad, este tema es una variación de “Kokomo Blues”, una canción popularizada por Scrapper Blackwell, Madlyn Davis y especialmente James Arnold, que la grabó en 1934, con tanto éxito que cambió su nombre artístico a Kokomo Arnold. Pero la primera versión de este tema fue grabada por Scrapper Blackwell en 1928 y se refiere a una ciudad de Indiana famosa entonces por el gran número de semáforos que había en sus calles. Robert Johnson cambió la letra, quizás porque a su audiencia sureña no les diría nada una ciudad de Indiana o, quién sabe, tal vez para eludir los derechos de autor. Sea como fuere, de este modo logró evocar un lugar que para la desfavorecida población afroamericana de los estados del Sur representaba sus sueños de emigración hacia una tierra mejor, lejos del racismo y la pobreza del Delta del Mississippi.

Producciones de Phil Spector: "Be a Soldier" de Terry Day

En el año 1963, Phil Spector, con la ayuda en los arreglos de Jack Nietzsche, produjo un single al hoy olvidado vocalista Terry Day, cuyo tema principal en la cara A era la siguiente canción: “Be a Soldier”, una llamada al alistamiento militar dirigida al público adolescente.