Los Mejores Discos de Reggae

DENNIS ALCAPONE: "FOREVER VERSION"

(STUDIO ONE, 1971-72)

En nuestra sección dedicada a grandes discos de la música reggae, hoy hemos seleccionado un álbum del DJ Dennis Alcapone, titulado Forever Version y que recoge grabaciones realizadas entre los años 1971 y 1972 en Studio One, bajo las órdenes de Coxsone Dodd.
Dennis Alcapone era uno de los DJs más exitosos que siguieron la estela de U-Roy a principios de los años 70. Su estilo de fraseo o toasting era mucho más musical que el de U-Roy, por lo que recibió el título de primer “sing-jay” o pinchadiscos-cantante. Comenzó su carrera junto a los productores Keith Hudson y Duke Reid, pero fue en Studio One donde perfeccionó su estilo. En este estudio de grabación tuvo la suerte de aliarse con el ingeniero de sonido Sylvan Morris y el asistente Larry Marshall, dos técnicos de sonido muy creativos, que asumieron el reto de capturar su estilo a la perfección.

Dennis Alcapone comenzó su carrera en 1968 con un pequeño sistema de sonido llamado El Paso Hi-Fi, con el que iba de fiesta en fiesta pinchando discos. A finales de 1969 ya era uno de los DJs más respetados en los ghettos de Kingston, la capital de Jamaica. El Paso Hi-Fi adquirió una amplia base de seguidores entre los jefes de las bandas criminales, que no dudaban en contratarle para sus fiestas. Particularmente, era el favorito de Jack Massop, padre de Claude Massop, que se convertiría con el tiempo en el líder del partido conservador jamaicano JLP durante mediados de los 70.
Las primeras grabaciones de Alcapone salieron también en 1969, y durante los siguientes dos años se convertiría en uno de los más exitosos DJs en toda Jamaica, llegando a grabar más de 200 cortes. Aunque disfrutó de grandes éxitos en la radio como “Teach the children”, para Trojan, el sello de Duke Reid, y “Guns don’t argue” para Bunny Lee, las sesiones de los años 1971 y 1972 para Studio One recogidas en el recopilatorio Forever Version, le muestran en su mejor momento, añadiendo sus comentarios a algunos de los más grandes éxitos de este estudio en aquel periodo.

Doctor Explosion: "¡Chupa Aquí!"

Un grupo español que lleva ya muchos años defendiendo la herencia del garaje-rock y de las guitarras saturadas de fuzz. Comandados por Jorge, un hombre que no conoce las palabras desilusión o cansancio, publican su nuevo álbum, titulado “¡Chupa aquí!”. Grabado, ¿cómo no?, en sus propios estudios de grabación en Gijón, Circo Perrotti.

Willie Nile: "House of a Thousand Guitars" (2009)

Un gran músico del rock, que nunca ha llegado a alcanzar el reconocimiento de otros compañeros de profesión, pese a estar a su mismo nivel, es Willie Nile. Su último disco se llama House of a thousand guitars, la casa de las mil guitarras, y en él podemos encontrar algún tema de rock clásico de esos que sólo los grandes pueden firmar.

Mono: "Hymn to the Inmortal Wind" (2009)

Música de una belleza extrema en canciones de larga duración que empiezan tranquilas y espaciosas, y que acaban por estallar como una bomba, con una intensidad radiante e inusual. Este disco ha sido producido por Steve Albini y Mono reivindican su derecho a incorporar toda clase de instrumentos a su música, ya sean cuerdas, pianos o flautas, si bien al final siempre son las guitarras y esa lastrada percusión las que acaban estallando en una gran e incontrolable explosión.

Charlie Mingus: "Mingus Ah Um" (Columbia, 1959)

“Mingus Ah Um” es uno de los dos o tres discos indispensables en una colección de jazz que incluya alguna obra del bajista y compositor Charlie Mingus, y su mayor éxito comercial. Grabado en octeto, es uno de los mejores discos homenaje de toda la historia. Picoteando en otros estilos tan diversos como el góspel, el blues y el boogie-woogie, contiene algunas de sus mejores composiciones. Entre ellas se deben destacar “Fables of Faubus”, una canción protesta contra el gobernador de Arkansas Orval Faubus, contrario a la integración racial, y sobre todo “Better Git it in your soul”, en la que se puede escuchar a Mingus espolear a sus músicos a voz en grito y contrabajo en mano, y "Goodbye Pork Pie Hat".

Dave Brubeck: "Time Out" (Columbia, 1959)

Otro de los discos de jazz homenajeado en este paquete de reediciones del sello Columbia es “Time Out”, de Dave Brubeck, el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias. Planteado como un experimento, cada uno de los siete temas utilizaba metros rítmicos diferentes e inusuales en el jazz. Su contagioso single “Take five” llegó al número 5 de las listas de Billboard y propulsó al álbum al segundo puesto en la categoría de discos de pop.

Miles Davis: "Sketches of Spain" (Columbia, 1959)

Sony celebra el cincuenta aniversario de una serie de álbumes esenciales de la música jazz, publicados todos ellos en 1959 en el sello Columbia.
El más importante de todos ellos es sin duda “Kind of blue”, de Miles Davis, que ya ha recibido un especial tratamiento en el programa de Radio Villamayor, Viaje al fin de la noche, por lo que no nos detendremos en él. Pero ese mismo año Miles Davis publicaba otro gran álbum, Sketches of Spain. Este disco, de temática española y flamenca, significa la cumbre de Miles en sus obras con orquesta, para lo que contó con la colaboración del productor y arreglista Gil Evans, que fue el encargado de poner en funcionamiento una maquinaria al servicio del trompetista con un repertorio en el que se incluían composiciones de Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo.

Disco de la Semana

CHEAP TRICK: "SGT. PEPPER LIVE" (2009)


Muy pocos grupos se han atrevido a interpretar un disco completo de otra banda, y menos aún en directo, como han hecho Cheap Trick, una banda ya veterana, con el mítico álbum de los Beatles. La grabación tuvo lugar en el Waldorf Astoria de Nueva York frente a un público reducido. Originalmente la banda interpretó el álbum cuando se cumplieron cuarenta años de su edición, en dos noches con entradas agotadas en el Hollywood Bowl de Los Angeles. Pero días después les propusieron realizar este mismo espectáculo en un círculo más íntimo, con el objetivo de recaudar fondos para los enfermos de cáncer. Cheap Trick accedieron con la condición de grabar el concierto y donar también los ingresos de la venta de este disco a los afectados por esa enfermedad.


Para este recital, Cheap Trick contaron con la filarmónica de Nueva York, la Indian Sitar Band y la colaboración de Ian Ball y Joan Osborne. La interpretación de este faraónico álbum dudo que hubiese sonado mejor de existir hoy en día los Beatles, pero es que a Cheap Trick le viene como anillo al dedo. Todos están fantásticos: Rick Nielsen colorea el trabajo de guitarras que realizaron Lennon y Harrison con mucha picardía, Tom Peterson llena todos los espacios con su bajo, Bun E. Carlos supera con creces la apatía de Ringo Starr, y Robin Zander merece un capítulo aparte, pues su tarea como vocalista no era nada fácil. Sin embargo, alcanza la gloria emulando cuando toca a Lennon, a McCartney o a Ringo. Canciones como Fixing a hole, A day in the life y She`s leaving home, aterrizan ahora en otra dimension gracias a esas colosales estrofas entonadas por Zander, sin olvidar la conjunción de toda la banda con la orquesta.
De postre incluyen los seis últimos minutos de la segunda cara del álbum Abbey Road, que como el resto del directo alcanza la esencia de la magia original.

Programa Nº 18 (17-11-09)

Ya está disponible en formato MP3 nuestro último programa, emitido esta misma tarde en Radio Villamayor (100.0 FM). Entre sus contenidos puedes encontrar lo siguiente:
- Disco de la semana: "Sgt. Peppers Live", de Cheap Trick.
- Reediciones: The Beatles, Miles Davis, Dave Brubeck, Charlie Mingus.
- Novedades: Mono, Willie Nile, Doctor Explosion.
- Los mejores discos de Reggae: "Forever Version", de Dennis Alcapone.
Para bajártelo, pincha en el siguiente enlace:
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Frank Sinatra

Count Basie: "April in Paris" (Verve, 1954)

Un ejemplo perfecto de las grandes orquestas de swing, Count Basie en su edad madura.

George Gershwin: "Rhapsody in Blue"

Sun Araw: "Beach Head" (Not Not Fun, 2008)

“Heavy Deeds” no es más que una confirmación de lo que Sun Araw había apuntado en sus anteriores discos, haciendo gala de una prolífica creatividad, pues en cuestión de apenas dos años ha publicado media docena de álbumes. El año pasado, ya en el sello Not Not Fun, sacaba a la luz Beach Head, un disco en el que se podía sentir la calidez del clima de California y sus soleadas playas. El propio Stallones reconoce la influencia del entorno en sus composiciones, en especial la ciudad de Los Angeles y sus gentes, pero también Hollywood como meca de los sueños y tumba de las ambiciones humanas.

Sun Araw: "Heavy Deeds" (Not Not Fun, 2009)

Sun Araw es el seudónimo artístico de Cameron Stallones. Su último disco se titula Heavy Deeds y acaba de salir en el sello Not Not Fun. Su música gira en torno al rock psicodélico y la vanguardia, estando construidas habitualmente a partir de una línea de bajo pregrabada que marca un patrón rítmico que se repite hasta el infinito, sobre el que superpone partes vocales hipnóticas que se asemejan a un mantra y sobre todo, las partes de guitarra que van evolucionando gradualmente desde pequeños estallidos de sonido hasta extensos pasajes instrumentales, todo ello adornado con capas de órgano, tintineo de campanas o lo que el desarrollo de cada tema vaya pidiendo.

Clásicos Olvidados:

DEL SHANNON: "LITTLE TOWN FLIRT"

(BIG TOP, 1962)

A medio camino entre el rock and roll y el doo-wop, Del Shannon grabó su segundo álbum tras un éxito enorme e inesperado con su primer LP, otro clásico titulado “Runaway”, que le obligó a buscar desesperadamente otra canción del mismo estilo.

Pero lo cierto es que Del Shannon logró superar su primer álbum con “Little Town Flirt”, cargándolo de pop optimista y temas adolescentes, pese a que su vida nada tenía que ver con los institutos y la universidad. Él era un luchador nato, procedente de Michigan, con un alma de rocker a la antigua usanza que combinaba con las melodías pop de la radio que hacían furor entre los jóvenes. En este disco se pueden encontrar singles de éxito inmediato, que adelantaban lo que sucedería un par de años más tarde, con la aparición de los Beatles y demás grupos de la invasión británica. Es uno de los primeros precursores del pop. Un adelantado a su tiempo.

Programa Nº 17 (14-11-09)

El nuevo programa de Disonancias en la radio ya está disponible en formato MP3. Sólo tienes que pinchar en el enlace que aparece más abajo.
Entre sus contenidos podrás encontrar lo siguiente:
- Presentación del CD de regalo de la revista Shindig!
- Sky Saxon (R.I.P.)
- Groovie Records.
- Novedades discográficas: Horisont, Sun Araw, Willie Nile.
- Reediciones: The Soft Machine.
- Clásicos olvidados: Del Shannon y su álbum de 1962 "Little Town Flirt".
- Historia del Rock'n'Roll: antecedentes (la industria musical).
http://rapidshare.com/files/307024550/Disonancias_-_Programa_17.mp3

The Soft Machine: "Volume Two" (ABC, 1969)

En su segundo disco derivaron más claramente hacia el jazz-rock, en un álbum cargado de humor, psicodelia y referencias al dadaísmo y el surrealismo.

The Soft Machine (ABC, 1968)

Se acaban de reeditar los dos primeros álbumes de The Soft Machine, pioneros del rock psicodélico británico y del rock progresivo.

En su primer disco, publicado en 1968, aún contaban en sus filas con Kevin Ayers y, por supuesto, en la batería se sentaba el gran Robert Wyatt.

Groovie Records

Groovie Records es un sello discográfico de Portugal fundado por Edgar Raposo en 2005 y especializado en reeditar grandes discos olvidados de los años 60, junto a nuevos lanzamientos de bandas actuales que se inspiran en los sonidos de aquella década dorada. Entre sus próximos proyectos se encuentra publicar una antología del grupo brasileño Os Baobas.

http://www.myspace.com/groovierecords

Horisont: "Tva Sidor av Horisonten"

Horisont son una banda procedente de Suecia, que recoge el testigo de otros grandes grupos nórdicos aparecidos en las últimas décadas, desde los Nomads y The Hellacopters hasta The Hives. Acaban de publicar su primer disco, titulado en sueco “Tva Sidor av Horisonten”. Sus influencias están entre el rock psicodélico americano de los 60 y el hard-rock de los 70.

Sky Saxon ha fallecido

El misma día de la muerte de Michael Jackson fallecía el rey del garaje rock, Sky Saxon, el que fuera vocalista durante los años 60 de la banda norteamericana The Seeds.

Shindig!

Shindig! es una revista británica especializada en la música de los años 60 y todas sus derivaciones.

Si quieres conocerla, te dejo un enlace a su página web:

http://www.shindig-magazine.com/

Michael J. Sheehy and the Hired Mourners: "With These Hands"

El cantautor británico Michael J. Sheehy moldea, junto a su banda, un disco de puro sabor americano, que parece cantado desde la bodega de un barco mercante en alta mar, entre copazos de góspel, folk y country-blues.

Grandes Sellos Discográficos: Warp Records

Nos vamos a trasladar a la ciudad de Sheffield, donde su fundó uno de los sellos fundamentales en la evolución de la música electrónica: Warp Records. Ellos mismos bautizaron su música como Intelligent Dance Music, es decir, música inteligente de baile, siendo su objetivo publicar discos de música electrónica que se pudieran escuchar en casa igual que en los clubs. Música de baile abstracta y cerebral. El primer single del sello salió en el año 1989 y solamente se prensaron 500 copias, que los fundadores del sello, Steve Beckett y Rob Mitchell, distruyeron en un coche prestado. En él se incluían dos temas de Forgemasters, alias utilizado por el productor Robert Gordon.

John Anderson: "Bigger Hands"

Siguiendo con las novedades dentro de la música vaquera, John Anderson acaba de publicar su último disco, “Bigger hands”. En él Anderson se rodea de buenos compañeros, como Mark Farmer y James Stroud, para dar a luz un álbum de puro honky tonk y denuncia social, con un sonido entre lo sofisticado y lo rural.

La madurez del que fuera una joven promesa allá por los años 80.

Eilen Jewell: "Sea of Tears"

La cantautora Eilen Jewell es una de las nuevas voces femeninas del country más interesantes aparecidas en los últimos tiempos. Ha sido comparada a Lucinda Williams por su timbre de voz, entre dulce y rasposa, aunque su música tiene pone similitud con la de ésta. Las letras de sus canciones gustan del dramatismo e incluso la tragedia. Su último disco se titula “Sea of tears”, mar de lágrimas.

John Martyn: "London Conversation"

El disco debut de John Martyn, maestro de las seis cuerdas.

Dan Baird & Homemade Sin

Dan Baird es un ilustre currante del rock, que acarició el éxito masivo con su primera banda, The Georgia Satellites, y en la actualidad sigue predicando las bondades de esta música desde la sinceridad, la humildad y la autenticidad.

Su último proyecto lleva el nombre de Dan Baird & Homemade Sin.

Los Mejores Discos de la Historia del Rock

THE JESUS & MARY CHAIN: "PSYCHOCANDY" (BLANCO Y NEGRO, 1985)

Hoy vamos a viajar hasta la década de los 80, concretamente al año 1985, en el que se publicó uno de los discos fundamentales del noise-pop, que daría lugar al surgimiento de innumerables bandas que trataron de emular su sonido. Estamos hablando del álbum “Psychocandy”, del grupo escocés The Jesus & Mary Chain. Aquel disco se abría con el tema “Just like honey”, que regresó a la actualidad al ser incluido en la película de Sofia Coppola, “Lost in traslation”.

El núcleo principal de Jesus & Mary Chain estaba compuesto por los hermanos William y Jim Reid, que habían estado coqueteando con formar una banda desde el surgimiento del punk en 1977, cuando eran unos adolescentes, pero no harían realidad su deseo hasta el año 1983, hartos de escuchar a tantos grupos de electro-pop mierdero, decidiendo que ya era hora de que volvieran a oírse las guitarras. Durante los cinco años anteriores habían estado en el paro y ello les proporcionó el tiempo necesario para componer canciones y afilar su sonido, que iba a dejar pasmado a medio mundo, por su uso excesivo de la distorsión y el feedback, como se puede escuchar perfectamente en su primer álbum.

En 1983 los hermanos Reid comenzaron a mandar maquetas de sus canciones a las compañías discográficas y para principios del siguiente año se habían hecho con los servicios del bajista Douglas Hart y el batería Murray Dalglish. Sus principales influencias eran The Velvet Underground, The Stooges y las Shangri-Las, una perfecta combinación de melodías pop y el rock más salvaje y arriesgado. De ahí su utilización del ruido y el feedback como una niebla que difuminase unas canciones básicamente pop. Estas ideas sobre su sonido se combinaban con una actitud punk y mucha dejadez, como si mandaran un mensaje alto y claro de que les importaba un bledo lo que los demás pudiesen pensar de ellos.

Pero The Jesus & Mary Chain no conseguían atraer la suficiente atención en su escena local de Escocia, así que decidieron trasladarse a Londres, donde harían un espectacular efecto. Sus conciertos, en los que salían ciegos de anfetas y LSD, no tenían piedad del público asistente, con los amplificadores a un volumen brutal y totalmente saturados de feedback, los miembros de la banda de espaldas al público y con una duración que nunca sobrepasaba los 20 minutos. Algunas de sus actuaciones terminaron en auténticos disturbios, con la gente rabiosa por la excitación provocada por la música y por la corta duración de los conciertos, que dejaban al público deseoso de más y con la sensación de haber sido despreciados por el grupo. Muy pronto, la prensa empezó a compararlos con los Sex Pistols y muchos condados ingleses prohibieron sus conciertos.
Por entonces, Alan McGee se había convertido en su manager y los había fichado para su sello Creation, una de las discográficas fundamentales en el surgimiento y desarrollo de la música independiente británica. El puesto de batería lo había pasado a ocupar Bobby Gillespie, del grupo Primal Scream, después del abandono de Murray Dalglish. Con esta formación grabarían su primer single, “Upside down”, que obtuvo un enorme éxito para tratarse de un lanzamiento independiente, razón por la cual captaron el interés de la discográfica Blanco y Negro, subsidiaria de la multinacional WEA, que les ficharía para grabar su primer álbum, “Psychocandy”, que hoy hemos elegido como uno de los mejores discos de la historia del rock.

Disco de la Semana:

JOE HENRY: "BLOOD FROM STARS" (ANTI-, 2009)

Joe Henry es una cantautor y guitarrista nortemericano, que sin embargo es más conocido por sus labores como productor, al servicio de artistas como Elvis Costello, Solomon Burke y Richard Thompson, entre muchos otros.
Su anterior disco, “Civilians”, cogió a más de uno despistado, y empezó a desvelarse su verdadera categoría como músico y compositor. “Blood from stars”, su nuevo disco, sigue en la misma línea en cuanto a sonido y estructura, aunque con distintos matices, pues en este disco Joe Henry se acerca más al jazz y al blues. Sin duda, parecen haberle influido sus recientes trabajos en la cabina de producción para Ramblin’ Jack Elliott y Allen Toussaint.

La riqueza de Blood from stars se abre al oyente atento y promete semanas de escuchas repetidas. Es un disco jazzístico, nocturno, de sentimiento soul, como si Tom Waits retrocediera hasta los años setenta, sobrio y con el traje bien planchado. También hay originales y sutiles combinaciones instrumentales, estructuras nada evidentes, música que crece y crece a cada minuto. Es un traje a medida para los amantes de la elegancia, solo apto para los que saben separar de la lista de novedades la paja del grano, pues ellos sí sabrán dedicarle el tiempo necesario. Seguramente, el disco con más clase y elegancia del año.

Programa Nº 16 (10-11-09)

Nuestro nuevo programa, emitido esta misma tarde en Radio Villamayor, 100.0 FM.
Entre sus contenidos:
- Disco de la semana: "Blood from stars", de Joe Henry.
- Los mejores discos de la historia del rock: "Psychocandy", de The Jesus & Mary Chain.
- Novedades: The Lovetones, Eilen Jewell, John Anderson, Michael J. Sheehy.
- Grandes sellos discográficos: Warp Records.
Para descargártelo en formato MP3, pincha en el siguiente enlace:
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Pearl Jam: Discografía Completa

Pearl Jam era una banda formada después de que el bajista Jeff Ament y el guitarrista Stone Gossard abandonaran su grupo anterior, Mother Love Bone, uniéndoseles el vocalista Eddie Vedder, el segundo guitarrista Mike McCready y el batería Dave Krusen, que sería sustituido por Matt Chamberlain y posteriormente por Dave Abbruzesse. Pronto se les acusó de subirse al carro del movimiento grunge, que había tenido un gran impacto mediático con el éxito de Nirvana y su disco “Nevermind”. Ciertamente, los miembros de Pearl Jam no pertenecían a ese movimiento, pero adoptaron su sonido popularizándolo entre el público mayoritario. Por ello, nunca despertaron grandes simpatías entre las bandas de rock alternativo y los seguidores de este movimiento.

Su primer álbum, "Ten", no fue un éxito inmediato, pero terminaría escalando en las listas de ventas hasta alcanzar el puesto número 2 de álbumes más vendidos en Estados Unidos a finales de 1992, más de un año después de su publicación. Sigue siendo el disco de mayor éxito de la banda, habiendo conseguido trece discos de platino sólo en los Estados Unidos.

El segundo disco de Pearl Jam apareció en 1993 y se tituló “Vs”. Después de haberse embarcado en una serie de interminables giras para respaldar en directo su álbum debut, los miembros de la banda encaraban en el estudio el reto de grabar un nuevo disco que pudiera al menos repetir el enorme éxito del anterior. Su respuesta fue un disco con un sonido más crudo y agresivo.
“Vs” se instaló directamente en el número 1 en los Estados Unidos desde el mismo momento de su publicación y permanecería en lo más alto durante cinco semanas. Pero la crítica especializada y los aficionados serios al rock seguían dándoles calabazas y viéndoles como unos aprovechados.

En 1993, Pearl Jam publicaron su tercer álbum, “Vitalogy”, para el que trabajaron con el productor Brendan O’Brien. Su contenido presenta una mayor variedad musical, siendo un disco más arriesgado y menos comercial que los anteriores. Sin embargo, el éxito en ventas siguió acompañándoles, aunque con una trayectoria descendente respecto a sus dos primeros álbumes.
Lo que sí se puede apreciar en este disco es un acercamiento más maduro y auténtico a un sonido rock más clásico, tomando como referente a uno de sus grandes ídolos, Neil Young, con el que llegarían a colaborar más tarde en el disco “Mirror Ball”. En consonancia con esta mirada al pasado del rock y a sus valores más auténticos, Pearl Jam decidieron publicar “Vitalogy” primeramente en vinilo, y la edición en CD no aparecería hasta dos semanas más tarde.

Dos años transcurrieron hasta la salida de un nuevo disco de Pearl Jam, titulado “No Code”. Entre tanto, la banda había protagonizado una problemática gira mundial debido a su boicot a la empresa multinacional de venta de entradas Ticketmaster. La música incluida en “No Code” era aún más diversa que en su anterior disco, incorporando elementos del garaje-rock, el worldbeat o músicas del mundo y el experimentalismo. Aunque el álbum alcanzó el número 1 en las listas la misma semana de su lanzamiento, no convenció a sus seguidores y rápidamente empezó a caer en las listas de ventas. Fue el primer disco de Pearl Jam que no alcanzó el multi-platino y su último número 1 hasta la publicación de “Backspacer”, su nuevo álbum de 2009.

El siguiente álbum de Pearl Jam se tituló “Yield”, y apareció en 1998 en su sello de siempre, Epic, y con la producción del habitual Brendan O’Brien. Fue promocionado como un retorno al sonido rock de sus inicios, dejando a un lado su vertiente más innovadora. Sin embargo, ya no volverían a disfrutar de su éxito masivo de antaño. Sus seguidores más convencionales les habían dado la espalda, aunque no así la crítica musical especializada, que les había defenestrado en sus primeros álbumes. La situación de la banda se invertía, si al principio arrasaban entre los adolescentes y el público mayoritario, pero la crítica y los aficionados serios les rechazaban, ahora ocurría lo contrario, empezaban a ver reconocida su labor por la crítica y los aficionados cuando sus ventas y éxito comercial disminuían. Aún así, alcanzaron el número 2 en las listas, siendo superados únicamente por la banda sonora de la película Titanic.

“Binaural” fue el sexto álbum de Pearl Jam, y recibió este nombre por la utilización este sistema de sonido en algunos temas por parte del productor Tchad Blake.
Para “Binaural”, Pearl Jam se sumergían de nuevo en la experimentación, tal vez intentando encontrar la salida a un bloqueo creativo preocupante. El propio Eddie Vedder reconoció posteriormente que les resultó muy difícil completar el disco, sobre todo en cuanto a las letras de las canciones. Pearl Jam se encontraban en una situación que más tarde o más temprano amenaza a los grupos que obtuvieron un gran éxito en sus inicios, pero que al intentar expresar una mayor madurez musical, se encuentran con el rechazo de sus seguidores. Simplemente, no sabían qué camino seguir y andaban bastante confusos en cuanto a su orientación musical, por lo que echaron mano de múltiples y variadas influencias y estilos, desde el folk-rock y el rock psicodélico hasta el post-punk y los largos pasajes instrumentales. Sus ventas siguieron disminuyendo a una mayor velocidad.

El siguiente disco de Pearl Jam, titulado “Riot act”, ofrecía más de lo mismo y pasó sin pena ni gloria, siendo además su último album para la discográfica Epic. Su productor fue Adam Kasper y la banda seguía buscando una identidad que no lograban alcanzar. No terminaban de convencer a nadie y, peor aún, tampoco a sí mismos. Se tomarían un descanso hasta el año 2006, en que aparecería su regreso a los estudios con un disco titulado con el propio nombre de la banda, publicado por la discográfica J Records.Este disco iba a significar un renacimiento de Pearl Jam, con un regreso a su sonido original y una reconciliación con sus seguidores más fieles, aunque sin recuperar el éxito masivo.









Y así llegamos a su ultimo disco, el noveno, titulado “Backspacer” y publicado en su propio sello Monkeywrench, aunque distribuido en todo el mundo por Universal. De nuevo han trabajado con el productor Brendan O’Brien, presentando un sonido más pop, influenciado por la new wave. Como viene siendo habitual en la carrera de Pearl Jam, las reacciones a este disco han sido dispares, tanto entre sus seguidores como entre los aficionados en general y la crítica musical. No obstante, han recuperado su éxito comercial, llegando al número 1, algo que no conseguían desde su disco “No Code”, de 1996.

Programa Nº 15 (7-11-09)

Nuestro programa de radio del sábado (ayer) ya está disponible para que os lo descargéis en MP3. En él podrás encontrar los siguientes contenidos:
- Disco de la semana: "Singlewide" de The Dexateens.
- Repaso a toda la carrera discográfica de Pearl Jam y nuevo disco.
- Nuevo capítulo de la biografía de los Rolling Stones: primeras experiencias sobre el escenario de sus miembros y la influencia de Buddy Holly.
Si lo quieres, pincha en el siguiente enlace y podrás disfrutarlo en tu salón o habitación cuando te apetezca:
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Levon Helm: "Electric Dirt"

Levon Helm, (Arkansas, 1940) lleva tantos tiros pegados en esta vida que es muy difícil sintetizarlos en un párrafo (que es lo que aquí toca). Es famoso sobre todo por haber sido el batería de The Band, pero es que también estaba en la formación primitiva de este grupo, llamada The Hawks; y antes, en Toronto, había tocado con Conway Twitty, un cantante de rock´n´roll de los 50; y todavía antes, cuando estudiaba en el instituto, ya tenía su banda, Jungle Bush Beaters. Después de la primera etapa de The Band, Helm sacó su primer disco en solitario en 1977 (Levon Helm & the RCO All Stars), al que seguirían otros tres, entre los que destaca American Son (1980). The Band volvió a reunirse, ya sin Robbie Robertson, en 1983, y perdió trágicamente a Richard Manuel en 1986. El trío restante publicó Jericho en 1993, año en que Helm publica su autobiografía, This Wheel’s on Fire. The Band publicó todavía otros dos álbumes antes de jubilarse (Jubilation, 1998) y Levon Helm fundó un nuevo grupo, de divertido nombre, Levon Helm & the Barn Burners., y publica Souvenir, Vol 1 en 2000. Un cáncer en las cuerdas vocales silenció a Helm durante cinco años, en los que siguió tocando la batería. Superada la enfermedad, volvió a cantar, ahora con una voz distinta, y celebró su salud con tres discos en directo (dos de ellos con el título de The Midnight Ramble Music Sessions). En 2007 volvió al estudio (el suyo, lo tiene en Woodstock, Nueva York) con Dirt Farmer y ahora publica Electric Dirt.

http://extremasound.wordpress.com/2009/07/10/levon-helm-electric-dirt-2009/

Gram Parsons & the Flyin' Burrito Brothers: "Live at Avalon Ballroom 1969"

Se ha publicado recientemente un doble CD que recoge la grabación del doble concierto ofrecido por Gram Parsons y the Flying Burrito Brothers en la sala Avalon Ballroom de San Francisco, el 4 de abril de 1969. Sacadas de los archivos de Owsley Bear Stanley, depositario de las grabaciones en directo de Grateful Dead, que actuaban en este caso como teloneros de los burritos voladores, estas dos actuaciones muestran hasta dónde podían llegar Gram Parsons y sus compinches en su actualización electrificada del country. Con un sonido digno para una grabación no oficial y lujosa presentación, ofrece por duplicado algunas de sus mejores canciones, como Hot burrito number 1, She once lived here y Sin City.

Dale Watson: "The Truckin' Sessions Vol.2"

Dale Watson, un terco defensor de la música de raíces, sorprendió gratamente en 1998 con el disco “The truckin’ sessions”, un homenaje a la música de tipos como Merle Haggard o Red Sovine, ídolos de los camioneros estadounidenses. Una década y varios desastres personales después, Dale Watson regresa con una segunda entrega que comparte el mismo planteamiento y letras ricas en amistades inquebrantables, autopistas interminables y bares de carretera con las escupideras a rebosar. Mucho pedal steel y violín, lingotazos de voz de trueno y una pasmosa simplicidad para construir un disco que es una oda al individualismo y al respeto por el discurso de los pioneros.

Roy Loney & Señor No: "Got me a Hot One!"

El antiguo componente de Flamin’ Groovies, Roy Loney, se ha unido a la banda donostiarra Señor No para grabar su último álbum, “Got me a hot one!”. Sus últimos discos con los Longshots mostraban algunos signos de fatiga y repetición, y por ello Loney decidió probar con una nueva banda, que le viene como anillo al dedo, con un cambio espectacular en su sonido. Las guitarras de Xabi Garre y Mikel Yarza recuperan el potente sonido del rock hecho en Detroit, lanzando afilados proyectiles que penetran hasta lo más hondo.

The Duke and the King: "Nothing Gold Can Stay"

Disco firmado por el dúo The Duke and the King, el nuevo proyecto de Simon Felice, de los Felice Brothers, junto a Robert Chicken Burke, antiguo músico de George Clinton. Los dos se sacan de la manga una pequeña obra de arte. Grandes canciones, guiños más o menos claros a la música soul y artesanía de raíces. Y es que Felice parece incapaz de sacar un disco malo.

Se grabó prácticamente en directo en un improvisado estudio de grabación en Bearsville, en el estado de Nueva York. A pesar de tratarse de un proyecto paralelo a su banda principal, este álbum no desentonaría para nada en la discografía de Felice Brothers, y es que The Duke and the King facturan uno de esos discos que llegan al alma, diez canciones casi irreales pero tremendamente cercanas. Folk en su concepción, soul en el sentimiento, country en su sensibilidad y blues en su cercanía.

Especial Mott the Hoople: Discografía Completa (2ª Parte)

"MOTT" (CBS, 1973)



A finales de 1972, Mott the Hoople iban a grabar un segundo tema de David Bowie, “Drive-in Saturday”, pero no les gustó nada el arreglo propuesto por Bowie, y al final decidieron no hacerlo, rompiendo sus relaciones profesionales con el rey del glam.
Antes de grabar su siguiente álbum, titulado simplemente Mott, abandonó el grupo el teclista Verden Allen. Este disco alcanzó el séptimo puesto en las listas de Reino Unido y también fue su mayor éxito de ventas en Estados Unidos. Al margen de su éxito comercial, que al fin y al cabo sólo interesa al bolsillo de sus autores y de las compañías discográficas y editoras musicales, es uno de sus mejores discos, del que se extrajeron dos singles: “Honaloochie boogie” y “All the way from Memphis”, una de sus canciones más conocidas, que aparecería también en la película de Martin Scorsese “Alicia ya no vive aquí”.
Cuando Mott the Hoople entraron a grabar Mott, su album de 1973, Ian Hunter se había convertido ya claramente en el líder de la banda. Además de los singles antes comentados, este disco incluía canciones introspectivas como “Ballad of Mott the Hoople”, que hablaba sobre la casi disolución del grupo.

"THE HOOPLE" (COLUMBIA, 1974)

Aprovechando la salida del grupo de Verden Allen, se incorporarían dos nuevos teclistas a la banda, el pianista Morgan Fisher y Mick Bolton, que tocaría el órgano Hammond. Bolton dejaría la banda a finales de 1973, siendo sustituido por Blue Weaver, mientras que Fisher continuaría en la banda hasta su disolución final.
Pero la verdadera ruptura de Mott the Hoople se produjo cuando abandonó el grupo el guitarrista Mick Ralphs, uno de sus fundadores y líderes, para formar la banda Bad Company, junto al que fuera vocalista del grupo Free, Paul Rodgers. Alcanzarían un éxito millonario. Ralphs fue sustituido en Mott the Hoople por el exguitarrista del grupo de rock progresivo Spooky Tooth, Luther Grosvenor, que, por razones contractuales, cambió su nombre por el de Ariel Bender, siguiendo una sugerencia del cantautor Lynsey De Paul.Con estos cambios, publicaron finalmente su nuevo disco en 1974, titulado “The Hoople”, otro gran éxito y un gran disco, que sería el último disco de estudio de la banda original. Llegó al número 11 en las listas de ventas de LPs en Reino Unido y el número 28 en Estados Unidos.
Todas las canciones del album “The Hoople” fueron escritas por el vocalista Ian Hunter, excepto una. Quedaba así claro que la banda se había convertido casi en un proyecto personal de Hunter. Éste fue sin duda uno de los motivos de la marcha de Mick Ralphs. La única canción del disco que no fue compuesta por Ian Hunter es “Born late ‘58”, que saldría también como single y fue escrita por el bajista Pete Overend Watts, que también interpretó la voz solista. Los miembros de Mott the Hoople luchaban de forma agónica para no convertirse en meros acompañantes de Ian Hunter.

"LIVE" (COLUMBIA, 1974)

Aprovechando el tirón del album “The Hoople”, rápidamente se publicó tras él un disco en directo, titulado simplemente “Live”. Los ejecutivos de Columbia parecían prever que el grupo tenía las horas contadas y que debían rentabilizar su éxito mientras pudieran. Y así fue, porque el mismo día que se publicó el álbum, Mott the Hoople anunciaron su separación. Este disco en directo recogía grabaciones de tres conciertos, el primero grabado en el Hammersmith Odeon de Londres el 14 de diciembre de 1973 y los otros dos en el Uris Theatre de Nueva York, en Broadway, los días 8 y 9 de mayo de 1974. La edición original era un disco sencillo con 8 temas, pero para celebrar el 30 aniversario de la banda, Sony publicó una reedición ampliada del mismo con 13 canciones más, en un doble CD. Para muchos aficionados al rock, se trata de uno de los mejores discos en directo de la historia.
Poco antes de la publicación de su album en directo, Ian Hunter había decidido que Mick Ronson, el que fuera guitarrista de David Bowie en las Arañas de Marte, entrara a formar parte de Mott the Hoople, reemplazando a Ariel Bender. Esta imposición unilateral fue la gota que colmó el vaso para el resto de los miembros del grupo. La separación fue inminente, y Hunter y Ronson decidieron seguir juntos por su cuenta como dúo. El resto de los integrantes de Mott the Hoople continuarían juntos acortando su nombre a Mott e incluyendo nuevos miembros. Llegarían a grabar dos álbumes más: “Drive On”, en 1975, y “Shouting and pointing”, en 1976. Pero esta es ya otra historia.

Disco de la Semana

THE DEXATEENS: "SINGLEWIDE" (SKYBUCKET, 2009)

El quinto y último álbum de los Dexateens marca una nueva dirección para este grupo procedente de Tuscaloosa, en el estado de Alabama. En lugar de las fieras guitarras eléctricas distorsionadas y los amplificadores saturados a los que nos tenían acostumbrados, en sus nuevos temas predominan las guitarras acústicas, que sostienen la estructura básica de las canciones. Su sonido ha virado desde el rock sureño malencarado a una especie de country-folk bastante personal y sin perder su espíritu y actitud rockera. Hay quien ha comparado su nuevo sonido con el que exhibían The Kinks en su álbum “Muswell Hillbillies”. En todo caso, otro gran disco firmado por los Dexateens, que han optado por no repetirse y renovar su fórmula sin perder autenticidad y garra.

Programa Nº 14 (3-11-09)

Segunda parte de nuestro repaso a la carrera discográfica de Mott the Hoople, además del disco de la semana y otras novedades en el ámbito del rock y el pop independientes.
Pincha en el siguiente enlace para descargar el programa completo:
http://rapidshare.com/files/302291688/Disonancias_-_Programa_14.mp3

Especial Mott the Hoople: Discografía Completa (1ª Parte)

"MOTT THE HOOPLE" (ISLAND, 1969)

Para la grabación de este primer álbum, Guy Stevens sugirió a los miembros de Mott the Hoople que debían sonar como Bob Dylan cantando para los Rolling Stones, un objetivo que fue conseguido en parte. El disco incluía una serie de versiones al estilo Dylan y varios temas rock originales bastante alternativos. También hay que tener en cuenta que el vocalista Ian Hunter se había unido al grupo muy poco antes de la grabación del disco, y ni siquiera había tenido oportunidad de actuar en directo con la banda.

"MAD SHADOWS" (ISLAND, 1970)

El segundo disco de la banda, titulado “Mad Shadows” y publicado por Island en 1970, supuso un serio patinazo para Mott the Hoople, pues les hacía parecer como una panda de hippies mal grabados tocando hard-rock. Y ciertamente se cometieron graves errores en la grabación del álbum, por ejemplo, se puede escuchar con bastante claridad un chirrido bastante molesto procedente del pedal del bombo de la batería. En general, el sonido del álbum es muy pobre, cuando se le podía haber sacado mejor partido a las canciones, que no son tan malas como parecen en una primera escucha. De este modo, no es de extrañar que el disco vendiera poco y que recibiera críticas en su mayor parte negativas.

"WILDLIFE" (ISLAND, 1971)

Si “Mad Shadows” fue una decepción y presentaba un sonido bastante pobre, el siguiente álbum de Mott the Hoople fue aún peor. Se tituló “Wildlife”, vida salvaje, y en él predominaban los instrumentos acústicos, en una especie de country-hippy que no le iba nada bien al grupo. Mott the Hoople se encontraban totalmente perdidos en su orientación musical y ni siquiera ellos mismos estaban convencidos de su sonido. Tanto es así, que los miembros de la banda llamaban al disco “Mildlife”, vida suave o amable, en lugar de vida salvaje. Ciertamente su música se había suavizado bastante respecto a sus dos primeros discos.

"BRAIN CAPERS" (ISLAND, 1972)

Después de la decepción de sus dos últimos discos, Mott the Hoople grabaron una de esas joyas ocultas que pasan desapercibidas en su momento y que con el tiempo no son valoradas en toda su dimensión. Un disco infravalorado, que se tituló “Brain Capers” y que salió en noviembre del año 1971 con poco éxito de ventas, de hecho, ni siquiera entró en las listas.Sin embargo, este álbum supone un regreso a su sonido más duro y rockero de sus inicios, con el que la banda se encontraba más a gusto. Como curiosidad, decir que en un principio se iba a titular “AC/DC”, pero finalmente este título fue desechado.

"ALL THE YOUNG DUDES" (COLUMBIA, 1972)

Cuando parecía que todo había terminado para Mott the Hoople, David Bowie, que siempre había sido un seguidor de la banda, acudió a su rescate. Les convenció para que siguieran juntos y les ofreció una de sus canciones, “Suffragette City”, que luego sería incluida en su propio álbum “Ziggy Stardust”, que aún no había sido publicado. Sin embargo, Mott the Hoople, rechazaron esta canción, pero les gustó otra que David Bowie tocó para ellos, “All the Young dudes”. Ian Hunter y sus compañeros terminaron grabando este tema, que saldría como single en julio de 1972 y se convertiría en su mayor éxito. Por fin lo habían conseguido.
Tras el éxito de su single “All the young dudes”, Mott the Hoople grabaron un album con el mismo título y producido por David Bowie. Salió en el sello Columbia y supuso un giro radical en la carrera del grupo, incorporándose al movimiento glam, que entonces estaba en pleno ascenso. Una renovación de su sonido que, ahora sí, hacía creer a los miembros de la banda que su lugar en la música rock podía ser importante y que aún les quedaba mucho por decir y mucha guerra que dar.

Programa Nº 13 (31-10-09)

Aunque con un poco de retraso, ya está disponible nuestro programa nº 13, emitido ayer en Radio Villamayor (100.0 FM). En él, podéis escuchar la primera parte de nuestro especial dedicado a la banda británica de los 70 Mott the Hoople.
Pincha en el siguiente enlace para descargártelo en MP3:
http://rapidshare.com/files/300857823/Disonancias_-_Programa_13.mp3

Disco de la Semana

THE BLACK CROWES: "BEFORE THE FROST... UNTIL THE FREEZE"

Este nuevo disco de Black Crowes ha sido grabado en directo y con público en los estudios de Levon Helm, en Woodstock. “Before the frost” captura más fielmente que su predecesor, el controvertido Warpaint, todo el potencial de los Cuervos Negros actuales. Pero que nadie busque aquí un disco como Amorica o Southern Harmony, porque no lo encontrará. Sin embargo, quizá muchos de los que se sintieron decepcionados con su anterior trabajo descubrirán, gracias a esta poco habitual forma de grabar en directo unas canciones nuevas, las virtudes de estos Black Crowes más maduros y menos hirientes.